抽象芸術：歴史、特徴、絵画 - アート - 2025

抽象芸術は自然に完全に異なるスペースを作成するために、任意の実際の表現から切り離しあらゆる芸術形式です。この抽象感は、さまざまな幾何学的形状、点、線、純色を使用することで得られます。

芸術の流れとしての抽象主義は、非比喩的な芸術としても知られています。つまり、このスタイルには伝統的な代表的な芸術との接点がありません。それにもかかわらず、現実からのこの距離はそれを否定することを意味するのではなく、反対または対比を提案します。

騎手、ワシリー・カンディンスキー、1911

愛好家によると、抽象芸術を理解するには、比喩と抽象を区別する方法を知る必要があります。それらはまったく反対の概念であるためです。このため、これらの芸術的概念が同化されると、抽象的な作品と比喩的な作品を簡単に区別できます。

抽象化と具象化

抽象化の現象は、作成された要素を実際に存在する要素に関連付けることができない場合に現れます。

たとえば、木の画像が撮影され、それがぼやけたり変更されたりした場合、この芸術的なゲームは抽象化されたものとは見なされません。つまり、比喩的なままです。

一方、実際に参照されていないイメージは、抽象化として捉えることができます。抽象芸術の分野では、幾何学的抽象化、形式主義、表現主義抽象化など、いくつかの側面があります。ただし、それらはすべて、実際の対象が存在しないという点で関連しています。

夢や悪夢（たとえば、ユニコーン）でシュールな画像が発生する可能性があるにもかかわらず、現実に見られる参照を維持しているため（この場合、ユニコーン、それは角を持つ馬です）。

比喩的な世界からの距離

このイベントの前は、19世紀から20世紀にかけて、印象派などの他の動きによって形が不鮮明になり始めたにもかかわらず、抽象化主義は芸術世界を根本的に変えました。 、ポスト印象派とキュービズム。

人間が洞窟で絵を描いた時から、芸術は現実を表現する探求であり続けました。

20世紀までは、芸術家は自分の環境や文脈から離れることができなかったため、抽象芸術は、大きな社会の変化と美的刷新を志向する歴史的瞬間の物語の始まりを可能にしました。

音は比喩的ではないので（音楽的な命名法にもかかわらず）、抽象化は音楽と関連付けることができます。色と形も抽象的であり、必ずしも実際の送信者がいる必要はない幅広い可能性を提供します。

起源と歴史

抽象芸術は、キュービズムやフォビズムなどの初期の運動にその起源があります。ただし、実際のオブジェクトの表現と色の視覚的知覚を分離するための出発点として機能した、特に1つの絵があります。

この作品は、画家ジェームズマクニールウィスラーが所有し、「ブラックアンドゴールドの夜：落下するロケット」というタイトルが付けられています。1874年のこの絵画では、さまざまな暗い色を見ることができ、人間の形や建築物を直接見つけることは困難です。

簡単に理解できるのは、光と影の筆運び、そして花火大会を連想させるゴールデンポイントです。

キュービズム、表現主義、愛想主義の影響

パブロ・ピカソとジョルジュ・ブラックの作品の登場により、幾何学的なフォルムとフラットな色彩に力強い入り口が与えられました。同様に、ポールセザンヌも別の現実の創造に挑戦しました。つまり、彼は比喩の再構築に取り組みました。

次に、表現主義のアーティストたちは、グロテスクな方法でさえ、カラーパレットと形状の強度を利用することを自分たちで考えました。彼の絵画は、批評家によって情熱の溢れと見なされ、それは大きな社会的混乱の時代の前に反動的な方法で現れました。

同様に、エドワード・ムンクの 『スクリーム』のような作品は、後に20世紀の抽象的または非比喩的な芸術になったものを発展させるために不可欠です。ジェームズアンソールによる「ブリュッセルへのキリストの侵入」と題された絵画も考慮されます。

ポールゴーギャン、アンリマティス、ジョルジュスーラなど、他の偉大な前衛的指数は、後に抽象化主義の最大の代表者となったヴァシリカンディンスキーにとって重要なインスピレーションと考えられています。

これは、生の色の言語が、そのさまざまな筆運びとともに、有名な先駆者に大きな影響を与えたためです。

ボードレールからマラルメへ：指示対象から遠ざかろうとする

執筆の世界では、確立された本当のリファレンスを壊して目的を終わらせることを目的として、さまざまな動きも始まって​​いました。文字の分野では、人間の心の中で言葉は常に彼らの指示者によってサポートされることを求めているので、この分離はもう少し難しいものでした。

しかし、これらの詩人は、単語の音響イメージを通じて形の内面性とのつながりを実現し、それが言及する概念から離れました。

偉大な現代詩人チャールズボードレールは、すべての感覚が特定の芸術的刺激に反応するという考えの種を蒔きました。これらは人間の潜在意識の中にある深い美的レベルによって結び付けられているからです。

言い換えれば、すべての芸術は、目、耳、それらを知覚する人の心にある特定の感覚を目覚めさせる能力を持っています。

同様に、StéphaneMallarmé、Arthur Rimbaud、Guillaume Apollinaireなどの有名なフランスの詩人は、参照形式から距離を置き、言葉の響きの楽しさに焦点を当て、これらを参照しなくても読者に何を呼び起こすことができるかに焦点を当てようとしました。概念。

これは、確立されたパラメーターから離れて、あえて音節の音を通してさまざまな感覚を組み合わせて作成するように、読者の精神構造を変更することについてです。したがって、それは執筆内の抽象概念です。

クロードドビュッシーのミュージカル水彩画

後に抽象芸術となった音楽の先祖として、偉大な作曲家クロードドビュッシーがいます。その作曲は、印象派とポスト印象派の画家の筆を模倣しているようでした。

同様に、この作曲家は象徴主義運動とも関連しています。彼のノートは強い寓話的告発で構成されており、それに注目すべきは東洋の影響が伴っているからです。

これは、ドビュッシーやエリックサティのようなミュージシャンにとって、日常生活で観察されるオブジェクトは、はるかに深い現実に反応するシンボルにすぎず、色と動きを伴う音を通して人間に現れることを意味します。 。

抽象芸術の特徴

本質を捉えようとする

抽象化運動はさまざまな側面を持っていますが、主にオブジェクトの原始的な本質を探すことを特徴としています。

したがって、抽象芸術はその純粋なレベルでの意識と無意識の探求をその芸術的顕現に捉えようとします。

自由

その主な特徴のもう一つは、技術と要素の適用の自由とそれらのリソースの重要性です。

たとえば、これは明らかにカラーフィールドに当てはまります。実際のコンセプトを参照する必要なしに、カラーには独自の芸術的な表現力があります。

実体がない

抽象主義には本当の形がありません。形のシンプルさをトータルにアピールするスタイルなので幾何学図形のみを使用。

ペインティング

-Vasili Kandinsky

多くの批評家にとって、抽象芸術はヴァシリ・カンディンスキーの作品から始まります。ただし、1910年にフランスの縞模様の大理石が有名になり、抽象化の始まりと見なすことができることに注意してください。

しかし、愛好家によると、芸術の歴史におけるカンディンスキーの重要性は否定できません。この画家には東洋の血の遺産があり、それを作品のインスピレーションとして使用しました。

さらに、同じアーティストは、神秘的なモスクワの大聖堂に触発されたことを認めました。彼によると、都市のカラフルな建築は、調和のとれた美的および文化的な内面を反映する外観の芸術的な衝突で構成されていました。

カンディンスキーは芸術作品の中で、原始的な形の本質の探求を提唱した。このため、彼の作品は、色、知覚、感覚という3つの言葉に要約できます。

その結果、抽象芸術は絶対の神秘的な状態を前提とする譲歩であると確立することができます。つまり、継続的なイデオロギーと哲学の進化に取り組んでいます。

騎手、ヴァシリ・カンディンスキー

最初の抽象的な水彩画

これら3つの仮定の審美的な全体性を達成するために、筆者は、点（絵画作品の主要な要素）、線、平面、色などの基本的なプラスチック要素の使用を促進しました。

これらの要素間の関連とリンクを通じて、彼は人間の目に対する新しくて異なる認識または感覚を得ました。

これを考慮すると、抽象芸術はカンディンスキーによる最初の抽象的な水彩画で1910年に生まれたと言えます。この絵では、現実との関連なしに、色付きのフォーム、線、プラスチックの値を見ることができます。言い換えれば、それは非比喩的な要素で構成される作品です。

さらに、観察者がこの作品を注意深く観察すると、絵画が主に青と赤を主とする原色と二次色で構成されていることに気付くでしょう。灰色がかった色調の筆使いも際立ち、他の色の活気とのコントラストを生み出します。

カンディンスキー抽象的な水彩画

-ピート・モンドリアン

この有名なオランダの画家は、彼の抽象主義の始まりに特化していませんでしたが、自然主義や象徴主義などの他のスタイルに最初に取り組みました。複数のスタイルがあるにもかかわらず、彼の造形芸術は彼の哲学的および精神的研究の影響を受け続けました。

物事の重要な本質を見つけるための検索では、モンドリアンは彼の絵画で宇宙の基本的な構造を見つけるために、幾何学的抽象化を使用して特定の方法で遊んだ。

このため、彼の作品は、主に白（すべての光とすべての色が存在するため「非色」と見なされます）と、黒（「無」と見なされます）で示されています。色」は、光がまったくなく、すべての色が存在するためです。

彼の最も有名な作品の1つは、抽象的な建築にも関連しており、1921年に彼が作成した赤、黄、青、黒のコンポジションという題の絵画です。

これには、さまざまなサイズと色の一連の長方形の図形が表示されます。しかし、パレットは非常に基本的で主要です。名前が示すように、それは赤、黄、青、黒の色で、表現主義者のマークロスコの絵を連想させるかもしれません。

赤、黄、青、黒の構図、ピエトモンドリアン作

彫刻

彫刻は抽象主義運動の中でそれほど遅れていませんでした。実際、それはスタイルに斬新さをもたらしました：三次元性。これは、抽象絵画では数字が常に平らであるのに対し、彫刻では形の深さが促進されるために起こりました。

-ヘンリームーア

同じアーティストによると、その主要な指数の1つはイギリスの彫刻家ヘンリームーアでした。

ムーアは、ジョット、ミケランジェロ、ジョバンニピサーノなどのルネサンスの偉大なアーティストの影響を受けていることも認めています。さらに、作者はコロンブス以前のトルテックとマヤの彫刻の形に驚きました。

その多くの抽象的な形は主に大理石と青銅で彫られました。キャリアの最初に、ムーアは直接彫刻を適用しました。しかし、1940年代、彫刻家は石膏または粘土の成形から始めることを決定し、伝統的および古代の「ロストワックス」成形も適用しました。

波

彼の彫刻は、波打つ形と空の空間の使用を主な特徴としています。批評家によると、彼はイングリッシュカウンティの故郷であるヨークシャー郡の風景から得たインスピレーションを受けています。

抽象絵画が比喩の排除を提唱しているという事実にもかかわらず、ヘンリームーアの作品では、人間の姿から完全に切り離されていない抽象化が知覚されます。女性の体の表現と母体の姿を区別することもできます。

ムーアの最も有名な作品の1つは、3ウェイピースNo. 2と呼ばれ、トロントシティホールプラザにあり、1964年に作られました。

このモノクロの彫刻作品は、その形状を実際の参照に直接リンクすることができないため、抽象化の教訓に最も適合するものの1つです。

3ウェイピースNo. 2（アーチャー）（1964-65）トロント市庁舎広場

-リチャード・セラ

抽象的な彫刻のもう1つの偉大な代表者は、アメリカ国籍の有名なプラスチックアーティストリチャードセラです。まだ生きているこの芸術家は、批評家によって私たちの時代の最高の彫刻家の一人と見なされています。

セラは、ミニマリストの性格を持つ彫刻家であり、プラチナスチールの巨大な破片で作業することを好みます。

アーティストの最初の段階は、抽象化主義者の理想に最もよく対応する段階であり、彼は主に溶融鉛材料を使用しました。

製鉄所

彼は大きな長方形の鋼構造物を作ることでも知られています。最も有名なものの1つは、いわゆるティルトアークです。これは、高さが3.5メートルで、暗示的で微妙な曲率があります。この彫刻は、ニューヨーク市の連邦広場で今日見ることができます。

芸術批評家から高く評価されている別の抽象的な彫刻はスネークと呼ばれ、曲率もある3層の鋼で構成されています（幾何学的形状内の曲線は、このアーティストの最も代表的な特性です）。作品はビルバオのグッゲンハイム美術館にあります。

最も人気のあるセラの作品の1つは、The Matter of Timeと呼ばれています。これは、アーティストのお気に入りの素材であるコルテン鋼で作られた7つの驚くべき大きな彫刻で構成されています。

これらの数字は、丸みを帯びた斜めの形で完全に構成されています。これは、自然の形と、人間の構築物としての時間の丸くて欺瞞的な特徴を連想させます。

傾斜アーク

建築

20世紀には、本質と原始的な形式の探求も建築学の分野で明らかになりました。このため、抽象的な建築では、幾何学的で平らな形が支配的であり、ミニマリストのスタイルで行われます。

同時に、この美的スタイルに属するアーキテクチャは、フォームの真の価値に近づこうとし、カオスや日常の現実の恣意からそれを切り離そうとします。これらの要素の中で、建築作品は自然からインスピレーションを得ていますが、芸術的精神の単純さを求めることでますます出現しています。

建築では、彫刻と同様に、形状を3次元で実現する必要があるため、絵画の抽象化の原則を調整する必要があります。さらに、インフラストラクチャが実行される前に、アーティストが、彼が作りたいと思う形が具体的に現実に実行できるかどうかを質問する必要があります。

一般的に、抽象的なアーキテクチャは、大きな長方形の窓と、シンプルで立体的な正方形の形状で構成されています。

-ミースファンデルローエ

最もよく知られている抽象的な建築家の1人は、現代建築の最も重要な芸術家の1人として歴史に名を残したドイツ系アメリカ人のミースファンデルローエです。彼は著名なドイツのバウハウス学校の校長でした。しかし、彼はナチズムの参入により退社しなければなりませんでした。

そのアーキテクチャは、その単純さと明快さ、抽象化主義に非常に典型的な特徴で認識されています。さらに、アーティストが好んだ素材は、工業用鋼と驚くべきガラス板で、ファサードのインテリアに使用されていました。

彼の最も有名な作品の1つはバルセロナにあり、1929年に完成したドイツのパビリオンにちなんで名付けられました。その建築はシンプルな幾何学的図形で構成され、その適度なサイズにより注目を集めています。それは自由な植物で構成され、腫瘍形成の顕著な影響を維持します。

ドイツのパベッロ。Wikimedia CommonsのTassilirosmarによる

-Gerrit Rietveld

Gerrit Rietveldは、建築だけでなく大工仕事やデザインでも卓越していたため、さまざまな側面を持つ有名なプラスチックアーティストでした。1918年の赤と青の椅子などの彼の用具デザインは、現代の幾何学的な特徴を当時の典型的な要素として表しています。

彼の最も有名な建築作品で、抽象的な美学に最も似ているのは、1924年に建てられたいわゆるリートフェルトシュレーダー邸です。現在、この場所は博物館として使用されています。

その特徴としては、家の内部と外部の両方が、以前のすべての建築パラメーターの変更を意味しています。したがって、作業の重要性。

家の中に部屋はなく、広いオープンエリアしかありません。外壁は線と平面で構成され、異なるものを作成するために間隔と色が付けられています。

RietveldSchröderhuis。Wikimedia CommonsのBasvbによる

音楽

最初の段落で述べたように、楽譜は象徴的な命名法があっても比喩的ではないため、音楽自体は抽象的であることを覚えておくことが重要です。

したがって、抽象音楽は芸術運動として存在することはできません。ただし、絶対的な音楽という名前で知られる音楽のスタイルがあります。これは、余分な音楽が追加されていない音楽作品で構成されています。つまり、どのテキストにもリンクされていません。

言い換えれば、絶対的な音楽には詩や歌詞が欠けている、それは単なる楽器の構成です。したがって、歌詞のないすべての音楽は、このジャンルに属すると見なすことができます。いくつかの例は、ソナタ、交響曲、またはコンサートで見つけることができます。

20世紀には、音楽の芸術的革新を際立たせ、抽象主義の始まりと一致した作曲家が何人かいました。最も有名なのはイゴール・ストラヴィンスキーとモーリス・ラヴェルです。

-Igor Stravinsky

ストラヴィンスキーはロシアの国家指揮者および作曲家であり、20世紀の最高のミュージシャンの1人と考えられています。彼は89歳まで生きたので、さまざまな音楽的側面を探求する機会がありました。しかし、彼の最もよく知られている作品は、芸術的キャリアの最初の数年の間に作られた作品でした。

彼の最も高い評価を受けた作曲の1つは、1910年にパリで初演されたバレエ「火の鳥」と呼ばれています。

-モーリス・ラヴェル

クロード・ドビュッシーと同様に、この有名なフランスの作曲家は、印象派音楽と呼ばれ、その東洋の影響と音による色の呼び起こしが特徴です。ラヴェルはまた、表現主義と新古典主義の特徴を維持しました。

このミュージシャンはさまざまな作品で高く評価されており、最も演奏された作品の1つは1928年にパリで初演されたボレロです。その瞬間から、この作曲の成功は大規模で普遍的でした。彼のオーケストラの動きは、当時非常に人気のあった熱くなったスペイン舞踊に触発されました。

参考文献

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